Artista realista

Michelangelo Buonarroti

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Michelangelo, in pieno Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (nato il 6 marzo 1475, Caprese, Repubblica di Firenze [Italia] - deceduto il 18 febbraio 1564, Roma, Stato Pontificio) Scultore, pittore, architetto e poeta del Rinascimento italiano che esercitò un'influenza senza pari sullo sviluppo dell'arte occidentale. Michelangelo fu considerato il più grande artista vivente della sua vita, e da allora è considerato uno dei più grandi artisti di tutti tempo. Alcune delle sue opere in pittura, scultura e architettura sono tra le più famose esistenti. Sebbene gli affreschi sul soffitto della Cappella Sistina (Vaticano; vedi sotto) sono probabilmente i più noti dei suoi lavori di oggi, l'artista pensava a se stesso principalmente come scultore. La sua pratica di diverse arti, tuttavia, non era insolita ai suoi tempi, quando tutti erano pensati come basati sul design o sul disegno. Michelangelo ha lavorato nella scultura di marmo per tutta la sua vita e nelle altre arti solo in determinati periodi. L'alta considerazione per il Sistine Ceiling🎨 è in parte un riflesso della maggiore attenzione prestata alla pittura nel 20 ° secolo e in parte anche perché molte opere dell'artista in altri media rimangono incompiute.





Un effetto collaterale della fama di Michelangelo nel corso della sua vita fu che la sua carriera era più pienamente documentata di quella di qualsiasi artista dell'epoca o prima. Fu il primo artista occidentale la cui biografia fu pubblicata mentre era vivo, infatti c'erano due biografie rivali. Il primo era il capitolo finale della serie di vite degli artisti (1550) dal pittore e architetto Giorgio Vasari. Era l'unico capitolo su un artista vivente e presentava esplicitamente le opere di Michelangelo come la perfezione culminante dell'arte, superando gli sforzi di tutti quelli che lo avevano preceduto. Nonostante tale encomio, Michelangelo non fu del tutto contento e fece in modo che il suo assistente Ascanio Condivi scrivesse un breve libro a parte (1553); probabilmente sulla base dei commenti parlati dell'artista stesso, questo racconto lo mostra come desiderava apparire. Dopo la morte di Michelangelo, Vasari🎨 in una seconda edizione (1568) ha offerto una confutazione. Mentre gli studiosi hanno spesso preferito l'autorità di Condivi, la vivace scrittura di Vasari, l'importanza del suo libro nel suo insieme, e la sua frequente ristampa in molte lingue hanno reso la base più comune delle idee popolari su Michelangelo e altri artisti del Rinascimento🎨. La fama di Michelangelo portò anche alla conservazione di innumerevoli ricordi, tra cui centinaia di lettere, schizzi e poesie, di nuovo più di ogni altro contemporaneo. Eppure, nonostante l'enorme beneficio che ne è derivato, in questioni controverse spesso è nota solo la parte di un argomento di Michelangelo.
  • Vita in anticipo e lavori
Michelangelo Buonarroti nacque da una famiglia che per diverse generazioni apparteneva alla nobiltà minore a Firenze ma che, all'epoca della nascita dell'artista, perse il suo patrimonio e il suo status. Suo padre aveva solo incarichi governativi occasionali, e al tempo della nascita di Michelangelo era amministratore della piccola città dipendente di Caprese. Pochi mesi dopo, tuttavia, la famiglia tornò alla sua residenza permanente a Firenze. Era un po 'un passo sociale verso il basso per diventare un artista, e Michelangelo divenne un apprendista relativamente tardi, a 13 anni, forse dopo aver superato le obiezioni di suo padre.
Fu apprendista del più importante pittore della città, Domenico Ghirlandaio, per un periodo di tre anni, ma se ne andò dopo un anno, avendo (Condivi racconta) Niente di più da imparare. Da questo palcoscenico sopravvivono numerosi disegni, copie di figure del Ghirlandaio e antichi grandi pittori di Firenze, Giotto e Masaccio; tale copia era standard per gli apprendisti, ma pochi esempi sono noti per sopravvivere. Ovviamente di talento, fu preso sotto l'ala del sovrano della città, Lorenzo de 'Medici, detto il Magnifico. Lorenzo si circondò di poeti e intellettuali e Michelangelo fu incluso.












Più importante, ha avuto accesso alla collezione d'arte medicea, che era dominata da frammenti di antiche statue romane. (Lorenzo non era un tale mecenate dell'arte contemporanea come la leggenda lo ha fatto; l'arte moderna che possedeva era di ornare la sua casa o di fare dichiarazioni politiche). Lo scultore bronzeo Bertoldo di Giovanni, un amico dei Medici che era responsabile della collezione, era il più vicino che aveva a un insegnante di scultura, ma Michelangelo non seguiva il suo mezzo o in alcun modo importante il suo approccio. Eppure, una delle due opere in marmo che sopravvive ai primi anni dell'artista è una variazione della composizione di un antico sarcofago romano, e Bertoldo ne aveva prodotto uno simile in bronzo. Questa composizione è la battaglia dei Centauri (c. 1492). L'azione e il potere delle figure predice molto più gli interessi dell'artista che non la Madonna delle Scale (c. 1491), un delicato bassorilievo che riflette le mode recenti tra gli scultori fiorentini come Desiderio da Settignano.
Firenze era a quel tempo considerata il centro principale dell'arte, producendo i migliori pittori e scultori in Europa, e la competizione tra artisti era stimolante. La città, tuttavia, era meno capace di prima di offrire grandi commissioni, e gli artisti fiorentini, come Leonardo da Vinci e il maestro di Leonardo, Andrea del Verrocchio, si erano trasferiti altrove per migliori opportunità in altre città. I Medici furono rovesciati nel 1494, e anche prima della fine del tumulto politico Michelangelo se ne andò. A Bologna fu assunto per succedere a uno scultore da poco deceduto e scolpire le ultime piccole figure necessarie per completare un grande progetto, la tomba e il santuario di San Dominic (1494-95). Le tre figure in marmo sono originali ed espressive. Partendo dalla fantasiosa agilità del suo predecessore, impose alle sue immagini serietà con una compattezza formale che doveva molto all'antichità classica e alla tradizione fiorentina da Giotto in poi. Questa enfasi sulla serietà si riflette anche nella sua scelta del marmo come suo medium, mentre la semplificazione accompagnatoria delle masse è in contrasto con la tendenza, allora più usuale, di lasciare che le rappresentazioni corrispondano il più completamente possibile alla trama e ai dettagli dei corpi umani. Sebbene queste siano qualità costanti nell'arte di Michelangelo, spesso vengono temporaneamente abbandonate o modificate a causa di altri fattori, come le funzioni specifiche delle opere o le stimolanti creazioni di altri artisti. È il caso della prima grande statua di Michelangelo, il Bacco, prodotta a Roma (1496-97) dopo un breve ritorno a Firenze. (Un crocifisso ligneo, recentemente scoperto, attribuito da alcuni studiosi a Michelangelo e ora ospitato nella Casa Buonarroti a Firenze, è stato anche proposto come antecedente del disegno di Bacco da parte di coloro che lo attribuiscono all'opera dell'artista).
Michelangelo | Bacco 1496-1497 Il Bacchus🎨 si basa su figure nude di origine romana come punto di partenza, ma è molto più mobile e più complesso di contorno. L'instabilità cosciente evoca il dio del vino e i dionysian festeggia con straordinario virtuosismo. Realizzato per un giardino, è anche unico tra le opere di Michelangelo nel richiedere l'osservazione da tutte le parti piuttosto che principalmente dal fronte. Il Bacchus🎨 condusse immediatamente alla commissione (1498) per la Pietà, ora nella Basilica di San Pietro. Il nome non si riferisce (come spesso si presume) a questo specifico lavoro, ma a un comune tipo tradizionale di immagine devozionale, essendo quest'opera l'esempio più famoso. Estratto dalle scene narrative del lamento dopo la morte di Cristo, il gruppo concentrato di due è progettato per evocare le preghiere pentite dell'osservatore per i peccati che hanno richiesto la morte sacrificale di Cristo. Il patrono era un cardinale francese, e il tipo era in precedenza più comune nel nord Europa che in Italia. Il problema complesso per il progettista era quello di estrarre due figure da un blocco di marmo, un'impresa insolita in tutti i periodi. Michelangelo ha trattato il gruppo come una massa densa e compatta come prima, così da avere un impatto imponente, eppure ha sottolineato i molti contrasti presenti - maschile e femminile, verticale e orizzontale, vestiti e nudi, morti e vivi - per chiarire le due componenti La preminenza dell'artista, stabilita da questo lavoro, è stata rafforzata subito dalla commissione (1501) del David per la cattedrale di Firenze. Per questa enorme statua, una commissione eccezionalmente grande in quella città, Michelangelo riutilizzò un blocco rimasto incompiuto circa 40 anni prima. La modellazione è particolarmente vicina alle formule dell'antichità classica, con una geometria semplificata adatta all'enorme scala ma con una blanda asserzione di vita organica nella sua asimmetria. Ha continuato a servire come la prima affermazione dell'ideale rinascimentale di perfetta umanità. Sebbene la scultura fosse originariamente destinata al contrafforte della cattedrale, la magnificenza del lavoro finito convinse i contemporanei di Michelangelo a installarlo in un posto più prominente, determinato da una commissione formata da artisti e cittadini illustri. Decisero che il David sarebbe stato installato di fronte all'ingresso del Palazzo dei Priori (ora chiamato Palazzo Vecchio) come simbolo della Repubblica fiorentina. Sul lato Michelangelo ha prodotto negli stessi anni (1501-04) diverse Madonne per case private, la base del lavoro degli artisti in quel momento. Questi includono una piccola statua, due rilievi circolari che sono simili ai dipinti nel suggerire vari livelli di profondità spaziale e l'unico dipinto da cavalletto dell'artista. Mentre la statua (Madonna col Bambino) è blocky e immobile, il dipinto (sacra Famiglia) e uno dei rilievi (Madonna col Bambino e San Giovannino) sono pieni di movimento; mostrano braccia e gambe di figure che si intrecciano in azioni che implicano il movimento nel tempo. Le forme portano riferimenti simbolici alla futura morte di Cristo, comune nelle immagini di Cristo Bambino in quel momento; tradiscono anche il fascino dell'artista per il lavoro di Leonardo🎨. Michelangelo negava regolarmente che qualcuno lo influenzasse, e le sue affermazioni erano generalmente accettate senza esitazione. Ma il ritorno di Leonardo a Firenze nel 1500 dopo quasi 20 anni è stato entusiasmante per gli artisti più giovani, e gli studiosi della fine del XX secolo concordavano generalmente sul fatto che Michelangelo fosse tra quelli colpiti. Le opere di Leonardo furono probabilmente l'influenza esterna più potente e duratura per modificare il suo lavoro, e fu in grado di fondere la capacità dell'artista di mostrare i processi momentanei con i propri per mostrare peso e forza, senza perdere nessuna delle ultime qualità. Le immagini risultanti, di corpi massicci in azione forte, sono quelle creazioni speciali che costituiscono la maggior parte delle sue opere più ammirate e più importanti. La Sacra Famiglia, probabilmente commissionata per la nascita del primo figlio di Agnolo e Maddalena Doni, è stata particolarmente innovativa pittura che in seguito sarebbe stata influente nello sviluppo del Manierismo fiorentino. La sua composizione a spirale e la cromia fredda e brillante sottolineano l'intensità scultorea delle figure e creano un effetto dinamico ed espressivo. L'interpretazione iconografica ha causato innumerevoli dibattiti accademici, che fino ad oggi non sono stati completamente risolti.
  • Gli anni di mezzo
Dopo il successo del David🎨 nel 1504, il lavoro di Michelangelo consisteva quasi interamente in vasti progetti. Era attratto da questi ambiziosi compiti, mentre allo stesso tempo respingeva l'uso degli assistenti, così che la maggior parte di questi progetti non erano pratici e rimanevano incompiuti. Nel 1504 acconsentì a dipingere un enorme affresco per la Sala del Gran Consiglio del municipio di Firenze per formare una coppia con un'altra appena iniziata da Leonardo da Vinci. Entrambi i murali hanno registrato vittorie militari della città (Michelangelo era la battaglia di Cascinama ognuno di essi ha anche testimoniato le abilità speciali degli artisti tanto decantati della città. Il design di Leonardo mostra cavalli al galoppo, i nudi attivi di Michelangelo, soldati che smettono di nuotare e si arrampicano su un fiume per rispondere a un allarme. Entrambe le opere sopravvivono solo in copie e schizzi preparatori parziali. Nel 1505 l'artista iniziò a lavorare su una serie programmata di 12 apostoli in marmo per il Duomo di Firenze, di cui solo uno, il San Matteo, fu addirittura iniziato. Il suo movimento estatico e contorto mostra la miscela completa del movimento fluido organico di Leonardo con il potere monumentale di Michelangelo. Questo è anche il primo dei lavori incompiuti di Michelangelo che hanno affascinato gli osservatori successivi. Le sue figure sembrano suggerire che stanno lottando per uscire dalla pietra. Ciò implicherebbe che il loro stato incompleto fosse intenzionale, tuttavia senza dubbio voleva completare tutte le statue. Tuttavia, ha scritto un sonetto su quanto sia difficile per lo scultore portare fuori dal blocco in cui è potenzialmente presente la figura perfetta. Così, anche se le opere sono rimaste incompiute solo per mancanza di tempo e altre ragioni esterne, la loro condizione, tuttavia, riflette l'intensa sensazione dell'artista delle tensioni insite nel processo creativo. La chiamata di Papa Giulio II a Michelangelo per venire a Roma ha scritto un fine a entrambi questi progetti fiorentini. Il papa cercò una tomba per la quale Michelangelo avrebbe intagliato 40 grandi statue. Le tombe recenti erano state sempre più grandiose, comprese quelle di due papi dello scultore fiorentino Antonio Pollaiuolo, quelle dei dogi di Venezia e quella in lavorazione per l'imperatore del Sacro Romano Impero Massimiliano I. Papa Giulio aveva un'immaginazione ambiziosa, parallela a quella di Michelangelo, ma a causa di altri progetti, come il nuovo edificio di San Pietro e le sue campagne militari, evidentemente fu presto disturbato dal costo. Michelangelo credeva che Bramante, l'altrettanto prestigioso architetto di San Pietro, avesse influenzato il papa a tagliare i suoi fondi. Lasciò Roma, ma il papa fece pressione sulle autorità cittadine di Firenze per rimandarlo indietro. Fu messo al lavoro su una colossale statua in bronzo del papa nella sua città di Bologna, appena conquistata (che i cittadini hanno abbattuto poco dopo quando hanno cacciato l'esercito papale) e poi sul progetto meno costoso di dipingere il soffitto della Cappella Sistina (1508-1512). Michelangelo | La Cappella Sistina | La Volta / The Ceiling, 1508-1512 "La Cappella Sistina" aveva un grande significato simbolico per il papato come principale spazio consacrato in Vaticano, utilizzato per grandi cerimonie come l'elezione e l'inaugurazione di nuovi papi. Conteneva già distinti dipinti murali, e a Michelangelo🎨 fu chiesto di aggiungere opere per il soffitto relativamente insignificante. I Dodici Apostoli furono progettati come i soffitti a tema, normalmente mostravano solo figure individuali, non scene drammatiche. Tracce di questo progetto sono visibili nelle 12 grandi figure prodotte da Michelangelo: sette profeti e cinque sibille o profeti femminili trovati nei miti classici. L'inclusione di figure femminili era molto insolita, anche se non del tutto inedita. Michelangelo mise queste figure attorno ai bordi del soffitto e riempì la spina centrale della lunga superficie curva con nove scene della Genesi: tre di esse raffigurano la Creazione del Mondo, tre le storie di Adamo ed Eva e tre le storie di Noè . Questi sono naturalmente seguiti, al di sotto dei profeti e delle sibille, da piccole figure delle 40 generazioni di antenati di Cristo, a cominciare da Abrahamo. Il vasto progetto fu completato in meno di quattro anni; ci fu un'interruzione forse di un anno nel 1510-11 quando non fu effettuato alcun pagamento. Michelangelo iniziò col dipingere le scene di Noè sulla porta d'ingresso e si mosse verso l'altare nella direzione opposta a quella della sequenza delle storie. Le prime figure e scene mostrano naturalmente all'artista il riutilizzo di dispositivi dai suoi lavori precedenti, come la Pietà, dal momento che stava iniziando un lavoro così ambizioso in un mezzo sconosciuto. Queste prime cifre sono relativamente stabili e le scene sono su scala relativamente piccola. Mentre procedeva, divenne rapidamente fiducioso. In effetti, le recenti indagini sui processi tecnici utilizzati dimostrano che ha lavorato sempre più rapidamente, riducendo e infine eliminando tali aiuti preparatori come disegni completi e incisioni sulla superficie dell'intonaco. La stessa crescente audacia appare nei movimenti liberi e complessi delle figure e nella loro complessa espressività. Pur rimanendo sempre imponenti e monumentali, sono sempre più intrisi di suggestioni di stress e dolore. Questo può essere percepito in una figura come il profeta Ezechiele a metà strada. Questa figura combina forza e peso colossali con il movimento e l'espressione facciale che suggeriscono la determinazione per raggiungere un obiettivo incerto sul successo. Una simile immagine dell'inadeguatezza di un grande potere è una presentazione dell'umanità eroica e tragica ed è centrale in ciò che Michelangelo intende per i posteri. Nelle vicinanze la scena della creazione di Eva la mostra con Dio e Adamo, compressi in uno spazio troppo piccolo per la loro grandezza. Questa tensione è stata interpretata come un segno di un allontanamento dalla preoccupazione del Rinascimento con l'armonia, indicando la strada per una generazione più giovane di artisti, come Jacopo da Pontormo🎨, spesso etichettati Manieristi🎨. Il lavoro di Michelangelo sul soffitto fu interrotto, forse subito dopo che queste cifre furono completate. Quando dipinse la seconda metà, sembrò ripetere la stessa evoluzione dalla quieta stabilità alla complessità e allo stress. Così, si fece strada dalla scena silenziosamente monumentale e armoniosa della creazione di Adamo alle pressioni acute e contorte del profeta Giona. Tuttavia, in questa seconda fase mostra una maggiore espressività interiore, dando un freno più meditativo alla prima pura massa fisica. L'iconografia complessa e inusuale del soffitto della Sistina è stata spiegata da alcuni studiosi come un'interpretazione neoplatonica della Bibbia, che rappresenta le fasi essenziali dello sviluppo spirituale dell'umanità attraverso una relazione drammatica tra l'uomo e Dio. Vedi anche Sidebar: The Restoration of the Sistine Chapel.Altri progetti Non appena il soffitto fu finito, Michelangelo tornò al suo compito preferito, la tomba di Papa Giulio. Nel 1513-15 circa scolpì il Mosè, che può essere considerato come la realizzazione in scultura dell'approccio alle grandi figure usate per i profeti sul soffitto della Sistina. Il controllo della densità cubica nella pietra evoca grandi riserve di forza; c'è un dettaglio della superficie e una modellazione più ricchi rispetto a prima, con proiezioni sporgenti taglienti. Le trame di superficie hanno anche più varietà rispetto alle precedenti sculture, l'artista ormai ha trovato il modo di arricchire i dettagli senza sacrificare la massa. Circa della stessa data sono due sculture di prigionieri o schiavi legati, anch'essi parte del progetto della tomba, ma mai utilizzati per questo, poiché in un successivo progetto rivisto erano della scala sbagliata. Michelangelo li conservò fino alla vecchiaia, quando li diede a una famiglia che lo aveva aiutato durante una malattia; ora sono al Louvre. Qui di nuovo realizzò, in pietra, tipi dipinti in molte varianti sul soffitto, come le coppie di nudi che tengono le ghirlande sopra i troni dei profeti. La complessità delle loro posizioni, espressiva di sentimenti forti, non aveva precedenti nella monumentale scultura in marmo del Rinascimento. Le uniche opere precedenti di questa natura risalgono al periodo ellenistico dell'antichità classica, ben noto a Michelangelo attraverso la scoperta del gruppo Laocoonte nel 1506. Il vecchio e i suoi due figli adolescenti che formavano quel gruppo certamente stimolarono anche le tre statue di Michelangelo come le figure relative sul soffitto. Tuttavia, il primo dei massimali del 1508 non fu così toccato; Michelangelo utilizzò le torsioni e le complicazioni ellenistiche solo quando fu pronto per loro, e si era mosso in questa direzione ancor prima che il Laocoonte fosse trovato, come è evidente nel caso del San Matteo del 1505. La morte di Gesù II nel 1513 fuori la maggior parte dei fondi per la sua tomba. Papa Leone X, il suo successore, figlio di Lorenzo il Magnifico, aveva conosciuto Michelangelo sin dalla loro infanzia. Principalmente impiegò Michelangelo a Firenze su progetti legati alla gloria della famiglia Medici piuttosto che al papato. La città era sotto il dominio del cugino di Leone, il cardinale Giulio de 'Medici, che doveva essere papa Clemente VII dal 1523 al 1534, e Michelangelo lavorò con lui da vicino in entrambi i regni. Il cardinale si interessò attivamente delle opere di Michelangelo. Ha fatto dei suggerimenti dettagliati, ma ha anche dato all'artista molto spazio per prendere una decisione. Michelangelo stava entrando nella progettazione architettonica con un piccolo progetto di rimodellamento alla villa dei Medici e uno grande nella loro chiesa parrocchiale, San Lorenzo. Il progetto più ampio non si materializzò mai, ma Michelangelo e il cardinale fecero meglio con uno sforzo più modesto, la nuova cappella attaccata alla stessa chiesa per le tombe della famiglia Medici.
  • La cappella dei Medici
L'occasione immediata per la cappella è stata la morte dei due giovani eredi (di nome Giuliano e Lorenzo dopo i loro antenati) nel 1516 e nel 1519. Michelangelo dedicò la propria attenzione fino al 1527 agli interni marmorei di questa cappella, sia per il design originale delle pareti che per le figure scolpite delle tombe; questi ultimi sono un'estensione in forma organica delle forme dinamiche dei dettagli delle pareti. Il risultato è la presentazione più completa esistente delle intenzioni di Michelangelo. Finestre, cornici e simili hanno strane proporzioni e spessori, suggerendo una revisione irrazionale e intenzionale delle forme classiche tradizionali negli edifici. Entrando in queste superfici attive, le due tombe sulle pareti opposte della stanza sono anche molto originali, a cominciare dalle loro cime curve . Una figura maschile e una femminile siedono su ciascuna di queste basi curve; queste sono personificazioni di, su una tomba, il Giorno e la Notte, secondo la stessa affermazione dell'artista, e, dall'altra, Dawn e Dusk, secondo i primi rapporti.Tali tipi non erano mai apparsi sulle tombe prima, e si riferiscono, sempre secondo a Michelangelo, all'inevitabile movimento del tempo, che è circolare e conduce alla morte. Le figure sono tra le creazioni più famose e compiute dell'artista. Il giorno e il crepuscolo immensamente massicci sono relativamente tranquilli nella loro grandezza montuosa, anche se il giorno forse implica il fuoco interiore. Entrambe le figure femminili hanno le proporzioni alte e snelle ei piccoli piedi considerati belli in quel momento, ma altrimenti formano un contrasto: Dawn, una figura verginale, tende verso l'alto lungo la sua curva come se cercasse di emergere nella vita; La notte è addormentata, ma in una postura che suggerisce sogni stressanti. Queste quattro figure sono naturalmente notate più immediatamente delle effigi dei due Medici sepolti lì, collocati più in alto e più indietro nelle nicchie delle pareti. Queste effigi, più consuete in esecuzione, formano anch'esse un contrasto; sono tradizionalmente descritti come attivi e premurosi, rispettivamente. Detti come tipi standard di giovani soldati, furono percepiti non come ritratti ma come esseri superiori idealizzati, sia per il loro alto rango che per il fatto che sono anime oltre la tomba. Entrambi si rivolgono allo stesso lato della stanza. È stato naturalmente pensato che si concentrassero sulla Madonna, che Michelangelo scolpì e che è al centro di questa parete laterale, tra due santi. Le teste delle due effigi, tuttavia, sono girate in gradi diversi, e il loro obiettivo comune è in un angolo della cappella, all'ingresso della chiesa. Su questa terza parete con la Madonna il trattamento architettonico non fu mai eseguito.
  • La biblioteca e le fortificazioni di Laurentian
Negli stessi anni, Michelangelo progettò un altro annesso a quella chiesa, la Biblioteca Laurenziana, che doveva ricevere i libri lasciati da Papa Leone; era tradizionale a Firenze e altrove che le biblioteche erano ospitate in conventi. Il progetto per questo è stato limitato dagli edifici esistenti ed è stato costruito sopra strutture più vecchie. Una piccola area disponibile al secondo piano era utilizzata come ingresso e conteneva una scala che portava alla sala della biblioteca più grande su un nuovo terzo piano. La scala, nota come ricetto, contiene i disegni murali più famosi e originali di Michelangelo. Il riarrangiamento audace e libero dei componenti costruttivi tradizionali va ancora più lontano, ad esempio, per posizionare le colonne incassate dietro un piano di una parete piuttosto che di fronte come al solito. Ciò ha fatto sì che il lavoro venisse citato frequentemente come la prima e principale istanza del Manierismo🎨 come uno stile architettonico, quando viene definito come un'opera che contraddice intenzionalmente il Classico e l'armonioso, favorendo l'espressività e l'originalità, o come uno che enfatizza i fattori di stile per il loro stesso interesse. Al contrario, la lunga sala della biblioteca è molto più sobria, con tradizionali file di scrivanie legate al ritmo delle finestre e piccoli dettagli decorativi nel pavimento e nel soffitto. Ricorda che Michelangelo non era invariabilmente pesante e audace ma modificò il suo approccio in relazione al caso particolare, qui per un effetto più delicato e silenzioso. Proprio per questo la sala della biblioteca è stata spesso meno notata nello studio del suo lavoro. All'estremità opposta della lunga sala, di fronte alla scala, un'altra porta conduceva a uno spazio destinato a contenere i tesori più rari della biblioteca. Doveva essere una stanza triangolare, il culmine del lungo approccio da corridoio, ma questa parte non fu mai eseguita sul piano dell'artista. Il sacco di Roma nel 1527 vide papa Clemente in fuga, e Firenze si ribellò ai Medici, restaurando la repubblica tradizionale. Fu subito assediata e sconfitta, e la dominazione medicea reintrodusse definitivamente, nel 1530. Durante l'assedio Michelangelo fu il progettista delle fortificazioni. Ha mostrato la comprensione delle moderne strutture difensive costruite rapidamente con materiali semplici in profili complessi che offrivano una vulnerabilità minima agli attaccanti e la massima resistenza al cannone e all'artiglieria. Questa nuova arma, che era entrata in uso a metà del 14 ° secolo, aveva dato maggiore potere al reato in guerra. Così, al posto degli alti castelli che avevano servito bene a scopo difensivo nel Medioevo, le masse più basse e più spesse erano più pratiche. I punti di proiezione, che hanno anche favorito il contrattacco, erano spesso di dimensioni irregolari nell'adattamento a specifici siti collinari. I disegni di Michelangelo con un'esecuzione vivace e vivace che riflettono questo nuovo modello flessibile sono stati molto ammirati, spesso in termini di forma pura.
  • Altri progetti e scrittura
Quando i Medici tornarono nel 1530, Michelangelo tornò a lavorare sulle loro tombe di famiglia. Il suo impegno politico era probabilmente più alla sua città in quanto tale che a qualsiasi forma governativa specifica. Due progetti separati di statue di questa data sono l'Apollo o David (la sua identità è problematica), usato come regalo per una nuova figura politica potente, e la Vittoria, una figura che calpesta un nemico sconfitto, un vecchio. Probabilmente era destinato alla tomba mai dimenticata di papa Giulio, perché il motivo era stato presente nei piani di quella tomba. Victor e il perdente hanno entrambi pose complicate; il perdente sembra stipato in un isolato, il vincitore, come l'Apollo, forma una spirale agile. Il gruppo Victory divenne il modello preferito dai giovani scultori del gruppo manierista🎨, che applicò la formula a molti soggetti allegorici. Nel 1534 Michelangelo lasciò Firenze per l'ultima volta, anche se sperava sempre di tornare per finire i progetti che aveva lasciato incompleto. Trascorse il resto della sua vita a Roma, lavorando a progetti in alcuni casi altrettanto grandiosi ma nella maggior parte dei casi di tipi abbastanza nuovi. Da quel momento in poi, un gran numero delle sue lettere alla sua famiglia a Firenze furono preservate; molti di loro si sono concentrati sui piani per il matrimonio di suo nipote, essenziale per preservare il nome di famiglia. Il padre di Michelangelo era morto nel 1531 e il suo fratello preferito all'incirca nello stesso periodo; lui stesso mostrava crescente ansia riguardo alla sua età e alla sua morte. Fu proprio in quel momento che l'artista quasi sessantenne scrisse lettere che esprimevano forti sentimenti di attaccamento ai giovani, principalmente al talento dell'aristocratico Tommaso Cavalieri, attivo in seguito negli affari civici romani. Questi sono stati naturalmente interpretati come indicazioni che Michelangelo era omosessuale, ma questa interpretazione sembra poco plausibile se si considera che nessuna indicazione simile era emersa quando l'artista era più giovane. La correlazione di queste lettere con altri eventi sembra invece coerente con l'idea che cercasse un figlio surrogato, scegliendo per lo scopo un uomo più giovane che fosse ammirabile in ogni modo e che accogliesse il ruolo. La poesia di Michelangelo è anche conservata in quantità da questo tempo. Apparentemente iniziò a scrivere brevi poesie in un modo comune tra i non professionisti nel periodo, come un tipo di lettera elegante, ma sviluppato in modo più originale ed espressivo. Tra le circa 300 poesie conservate, esclusi i frammenti di una linea o due, ci sono circa 75 sonetti finiti e circa 95 madrigali finiti, poesie della stessa lunghezza dei sonetti ma di una struttura formale più sciolta. Nei paesi di lingua inglese le persone tendono a parlare di "I sonetti di Michelangelo", come se tutte le sue poesie fossero scritte in quella forma, in parte perché i sonetti erano ampiamente diffusi nelle traduzioni inglesi del periodo vittoriano e in parte perché il madrigale non è familiare nella poesia inglese.Non è il tipo di canzone ben nota nella musica elisabettiana, ma un poema con schema di rima irregolare, lunghezza della linea e numero di linee.) Tuttavia il fatto che Michelangelo abbia lasciato un gran numero di sonetti ma solo pochi madrigali incompiuti suggerisce che preferiva quest'ultima forma. Quelle scritte fino al 1545 circa hanno temi basati sulla tradizione dei poemi d'amore di Petrarca e una filosofia basata sul neoplatonismo che Michelangelo aveva assorbito da ragazzo alla corte di Lorenzo il Magnifico. Esprimono il tema che l'amore aiuta gli esseri umani nel loro difficile sforzo di ascendere al divino. Michelangelo | Giudizio Universale (1535-1541) 🎨 Nel 1534 Michelangelo tornò dopo un quarto di secolo ad affrescare la pittura, eseguendo per il nuovo papa, Paolo III, l'enorme Giudizio Universale per la parete di fondo della Cappella Sistina. Questo tema era stato favorito o

Guarda il video: Michelangelo - ITA Documentário (Luglio 2020).

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